Преди филмите и киното е имало само картини. Колкото и завладяващи или драматични да са, тези статични изображения в рамка могат да уловят само миг от дадена сцена. Ако се замислите, историята на киното е сравнително съвременна в сравнение с творбите, които съществуват от векове. През по-голямата част от човешката история живописта в традиционния смисъл, както и офортите и гравюрите, са били основният начин за комуникация. Картините са се използвали за документиране на исторически събития като победи на бойното поле, коронации и погребения, както и за портрети. Те са се използвали и за предаване на определена емоция на зрителя, а в много случаи – за налагането ѝ върху зрителя по начин, който определя дневния ред.
Днес, с развитието на технологиите, разказването на истории чрез живописта е заменено от киното и фотографията, които функционират по подобен начин. Художникът може да има пълен контрол над тона и посланието, което иска да предаде, чрез използването на ъгли, светлина и цвят. Въпреки това - поради огромната и влиятелна история на живописта, тези различни медии често се пресичат. Тоест, операторите или режисьорите могат да изберат да се позоват на картина във филма си, за да имитират конкретен ефект.
Освен това, черпенето от елементи на картина може да помогне за обогатяване на мизансцена, за да се привлече вниманието към нея като към художествена рамка, а не просто като към движещо се изображение. По този начин режисьорът пробива четвъртата стена, напомняйки на зрителя, че това, което вижда пред себе си, е смесица от изкуство и реалност.
Винсент ван Гог и Стенли Кубрик
Снимка: Far Out / Warner Bros / Vincent Willem van Gogh / Pushkin Museum of Fine Arts
Един от примерите за това е пресъздаването от Стенли Кубрик на картината на Винсент ван Гог „Кръгът на затворниците“ (1890) във филма „Портокал с часовников механизъм“. Използването на същата композиция и цветова палитра като в картината на художника ни напомня колко вечно може да бъде изкуството в предизвикването на емоции, дори векове след като е било нарисувано. В този случай Кубрик се опитва да подчертае дехуманизацията на затворниците във филма, докато те вървят в кръг в тъмен, приличащ на кутия двор, пишат от Far Out Magazine.
За разлика от Ван Гог той избира да изобрази небето – може би, за да покаже как свободата може едновременно да изглежда толкова осезаема и близка, а в същото време да остава недостижима за затворниците, което още повече засилва тяхното страдание. Чрез включването на този препратка към Ван Гог ние преживяваме изкуството в неговата цялост, потапяйки се не само във филма, но и в картината.
„Шоуто на Труман” и Рене Магрит
Снимка: Far Out / Paramount Pictures / René Magritte / Sotheby’s
Друг пример, а може би и най-известният, е в заключителната сцена на „Шоуто на Труман“, която е пряко вдъхновена от картината „Архитектура при лунна светлина“ на сюрреалистичния художник Рене Магрит.
Режисьорът Питър Уиър изящно използва простотата на картината, за да обобщи същността на филма в тези последни минути. Магрит е известен със своите загадъчни, сюрреалистични картини, които предизвикват топлината на носталгията, смесена с контрастираща зловещност. Запалени улични лампи по пусти тротоари в пълна дневна светлина, неясни и илюзорни фигури, които по необясним начин придобиват смисъл, са само няколко примера.
Стилният избор да се използва тази картина във финалната сцена е перфектен ход, тъй като в основата на филма е постепенното и болезнено осъзнаване от страна на Труман, че животът му не е бил реален - той е живял в измислена лъжа. По този начин дезориентацията и дискомфортът, които изпитва в края, отразяват това, което Магрит е искал да предизвика у зрителя, стоящ пред картините му.
„Бeлият лотос“ (2021-) и „Ехо и Нарцис“ (1903)
Снимка: artera.ae
Изкуството и нарцисизмът са ключови теми в цялата антология на HBO „Белия лотос“. Най-проникновеното им преплитане се случва в кулминационния момент на сюжетната линия на семейство Ратлиф в сезон 3. След като Тим променя решението си да убие семейството си, за да ги предпази от последствията на престъпленията си, синът му Лохлан случайно изпива отровена пиня колада. Кадърът, в който той повръща в басейна, напомня картината на Джон Уилям Уотърхаус, изобразяваща митичния гръцки герой Нарцис, който се възхищава на отражението си в езерото. До него стои Ехо, която загива, след като той я отхвърля. Като разкрива егоистичното поведение на семейството си, имитирайки го, Лохлан сега разкрива ужаса на егоистичния жест на любовта на баща си.
„Момичето с перлената обица“ (2003), (1665)
Никой не знае коя е моделката на Йоханес Вермеер за шедьовъра му нито дали това „Момиче с перлената обица“ изобщо е съществувало. Романът и филмовата адаптация с едноименното заглавие надхвърлят спекулациите относно произхода на картината, за която се твърди, че изобразява домашна прислужница на Вермеер. Операторът Едуардо Сера се позовава обширно на характерния за художника стил на кадриране и цветова гама. Режисьорът Питър Уебър отива още по-далеч с композиционното си темпо. Това очевидно се вижда в сцените, в които измислената дама позира за портрета си. Това внимание към детайлите донесе на филма похвали и култова популярност като ярко представяне на самото изкуство. Той все пак разсейва голяма част от мистерията около темата си по завладяващ начин.
„Туин Пийкс“ (1990–91) и „Седнала фигура“ (1961)
Снимка: Estate of Francis Bacon
Фигуративният художник Франсис Бейкън е един от любимите творци на Дейвид Линч. Неговият сюрреалистично тревожен, но ефирен стил очевидно е повлиял на творчеството на режисьора, особено по отношение на една от най-емблематичните му сцени. През целия телевизионен сериал „Туин Пийкс“ агентът на ФБР Дейл Купър редовно разгадава загадките в сънищата си за една червена чакалня, разположена в празнота. Естетиката и мястото му напомнят на картината на Бейкън „Седнала фигура“. Контурът на кутията в картината се появява в по-очевидна реконструкция на „Портрет на мъж“ от 1953 г., когато Купър за първи път посещава реалния свят в „Туин Пийкс: Завръщането“. Разбира се, първоначалната основа във визията на Бейкън засилва въздействието на и без това халюциногенните тропи върху изкусно създадената атмосфера на сериала.
„Кери“ (1976) и „Етюд на лейди Макбет“ (1851)
Кулминацията на филма „Кери“ на Брайън де Палма е една от най-запомнящите се сцени в историята на хорър киното. Всъщност визуалният образ се вдъхновява от творба на Гюстав Моро, произлязла от най-мрачния шедьовър на Шекспир. „Етюд на лейди Макбет“ представя едноименната фигура в призрачна форма, заобиколена от потоци кръв, символизиращи нейното безумие и вина. Сиси Спейск заема същата поза, докато обляната с кръв Кери Уайт психически подпалва училището си. Освен това композицията на Де Палма е поразително подобна на тази на Моро.
„Клетката“ (2000) и „Различни“
Пример за идеализирането на гротескното е научнофантастичният хорър-трилър на Тарсам Сингх „Клетката“. При създаването на изкривения сън на серийния убиец, намиращ се в кома, са използвани препратки към много екстремни произведения на изкуството. Характерните биохимични картини на Х. Р. Гигер са вдъхновили част от костюмите и сценографията. Картината „Dawn“ на Odd Nerdrums от 1989 г. е почти напълно пресъздадена, когато специален агент Питър Новак навлиза в този апокалиптичен кошмар. А изтезанията, на които е подложен в кулминационния момент, са заимствани от няколко картини, изобразяващи изкормването на Свети Еразъм. Това са само някои от интермедийните художествени алюзии, които превръщат „Клетката“ в култова класика – съчетание от високо майсторство и – простете ми израза – висцерален шок.
„Меланхолия“ (2011) и Офелия (1851–52)
Снимка: Friedrich Heyser - Neumeister Kunstauktionen
Встъпителният монтаж във филма „Меланхолия“ на Ларс фон Триер разкрива нещо повече от просто апокалиптичния край. Жустин, плаваща в езерото с сватбена рокля и цветя, е безспорно най-емблематичният кадър от филма. Той дори е изобразен на плаката. Но тъй като е вдъхновен от картината на сър Джон Еверет Милейс, изобразяваща Офелия от Шекспир, той предвещава съдбата на Жустин. Тя ще претърпи нервен срив, след като бъде изоставена от любимия си, като по този начин подготвя гибелта на целия актьорски състав.
„Сатантанго“ (1994) и „Три фигури край канал с вятърна мелница“ (1883)
„Сатантанго“ демонстрира епично усещане за нюансите на образите. Най-често повтарящият се и най-силен визуален образ е този на бедни селяни, скитащи се по черен път. Това е и основната идея на „Три фигури край канал с вятърна мелница“ – особено мрачна картина на Винсент ван Гог, изобразяваща три сенчести фигури, вървящи през калта. Около пет часа и половина след началото на черно-белия филм трима герои пресъздават картината почти до съвършенство. Сцените с ходене в „Сатантанго“ олицетворяват майсторското представяне на Бела Тар за безцелността на бедността и на самото съществуване. Фактът, че те вдъхват живот на един от отдавна изгубените шедьоври на Ван Гог, задълбочава тяхната красота и мрачност, свързвайки човечеството с природата.
„Злокобен остров“ (2010) и „Целувката“ (1907)
Снимка: Evan E. Richards
Заплетеното напрежение във филма „Злокобен остров“ на Мартин Скорсезе придобива сърцераздирателен обрат всеки път, когато детектив Теди Даниелс си спомня за покойната си съпруга Долорес. Сънят, в който тя се превръща в пепел в прегръдките му, изглежда особено като произведение на изкуството – защото всъщност е такова. Прегръдката им и мотивът на роклята на Долорес ясно отразяват картината „Целувката“ на Густав Климт. Това символистично изображение на преплетени любовници допълва сантименталната страст на иначе мрачния Теди. То също така подсказва колко дълбоко образът на смъртта на Долорес в пожар е вкоренен в крехката му психика.
„Сънища“ (1990), Винсент ван Гог
Това, което Винсент ван Гог прави за изобразяването на природата и човечеството върху платното, Акира Куросава създава за киното. Той съумява да го постигне по-пряко с петата миниатюра от превъзходната антология „Сънища“. Проследява студент по изкуствата, който посещава изложба на Ван Гог в художествена галерия, а след това по магичен начин влиза в картините. Сред тях са „Мостът Ланглоа в Арл“, „Водна мелница в Генеп“ и „Пшенично поле с врани“. Богатата кинематография и иновативните специални ефекти вдъхват живот на тези шедьоври по начин, който не би бил възможен преди век.
