Въпросът защо в началото на XX век модерното изкуство процъфтява в Европа отдавна е един от най-интригуващите в сферата. Дали това е било резултат от излагането на незападни влияния? Появата на фотоапарата? Една изненадваща обзорна изложба - „Готическа модерност“, която дебютира миналата есен в Атенеума в Хелзинки, а сега е представена в Националния музей в Осло, излага различна теория.
В изложбата се твърди, че много от водещите модернисти са били парадоксално очаровани от миналото, по-специално от средновековната готическа традиция на Северна Европа и Германия. Темите за
болестта, травмата, духовността и странното, които се появяват и в готическото изкуство,
се оказват трайно привлекателни за онези, които се сблъскват с несигурността, присъща на модерността. За много от тези художници готиката вече не описва стил, принадлежащ на определено време или място, който може да бъде възроден, а чувствителност и богата на идеи естетика, достъпна за всички.
Снимка: Ernst Bjerke
По този начин може да се открие пресечна точка между творчеството на художници като Албрехт Дюрер, Лукас Кранах Старши и Ханс Холбайн - младши, както и на художници като Едвард Мунк, Кете Колвиц, Аксели Гален-Калела и Ернст Лудвиг Кирхнер. В краткотрайното периодично издание за изкуство „Пан“, основано в Берлин през 1895 г., творбите на средновековните величия са отпечатани редом с илюстрации на съвременни скандинавски и немскоезични художници.
Известно е, че много художници и писатели от края на XIX в. предприемат поклоннически пътувания до места, свързани с готическото изкуство - особено в Германия и Фландрия. Те са били особено привлечени от емоционално-експресивния им характер като портал, чрез който се изразява иначе неуловима реалност. Това може да проправи пътя за изследване на самия художник или да предложи по-проникновен поглед към отчуждението или кризите на другите.
Снимка: Ina Wesenberg
За особено тежки теми като смъртта и страданието някои художници възраждат средновековната практика на гравюрата, която може да бъде още по-въздействаща заради своите директни монохромни качества. Други пък възприемат символизма като средство за придаване на по-голямо значение на сцените.
Понякога отхвърляна като движение, готиката никога не е губила своята привлекателност. От Artnet изготвят списък с петима художници, които са се обърнали към миналото, за да си представят едно ново бъдеще.
Едвард Мунк
Снимка: The National Museum/ Børre Høstland
Норвежкият художник Едвард Мунк рисува „Пепел“ - видение за отчаянието на двама влюбени, които се разделят след среща, докато самият той изневерява. Подобно на много от мъжките фигури на художника, съжаляващият ухажор държи наведена глава в ръцете си. Междувременно жената гледа с ужас, а бялата ѝ рокля все още е разкопчана, за да разкрие пищно червено бельо. Готическото изкуство може би е вдъхновило съвременните художници
да изследват сложните чувства, свързани с плътското желание, както и връзката между греха и сексуалността.
Мунк прави няколко скици на готически катедрали и техните розови прозорци, които позволяват на божествената слънчева светлина да нахлуе в иначе строгото и тъмно пространство.
Мариан Стоукс
Снимка: Grand PalaisRMN (Musée d’Orsay)/ Hervé Lewandowski
Родената в Австрия Мариан Стоукс става една от водещите художнички на викторианска Англия, след като се установява в Обединеното кралство. Тя е силно вдъхновена от Братството на прерафаелитите, което от средата на XIX в. издига средновековната култура като притежаваща духовна и естетическа цялост. Много картини на художници като Данте Габриел Росети и Едуард Бърн-Джоунс
възраждат средновековни теми и литературни сюжети
с ярък, архаизиращ стил и много символизъм.
Картината на Стоукс „Смъртта и девойката“ се основава на популярна история в немското ренесансово изкуство, в който млада жена е завладяна от олицетворение на смъртта, развило се от класическата средновековна алегория на danse macabre (танца на смъртта). В това мрачно видение една видимо ужасена девойка се оказва вече в студената прегръдка на Смъртта. През викторианската епоха художничката Евелин де Морган също създава своя версия на Ангелът на смъртта.
Аксели Гален-Калела
Снимка: Finnish National Gallery/Hannu Pakarinen
„Майката на Лемминкайнен“ е един от най-известните шедьоври на финландския художник Аксели Гален-Калела. Той изобразява сцена от финландския национален епос „Калевала“, в която тялото на героя Лемминкайнен е спасено от реката и сглобено от майка му. Докато чака бог Уко да ѝ помогне да върне сина си към живота, тя е изобразена от Гален-Калела в класическия стил пиета. Превеждано като „съжаление“, това изображение на Дева Мария, люлееща тялото на Исус Христос след свалянето му от кръста, е един от най-често изобразяваните сюжети в християнското изкуство. Превърнало се е в архетипен образ на майчината скръб.
Както се посочва в изложбата, познатата християнска иконография е преработена от много художници модернисти, които заимстват нейната изразителна острота и същевременно ѝ придават нова актуалност. Гален-Калела също възражда традициите на средновековната дърворезба в „Цветето на смъртта“, „Смъртта и цветето“ - мемориал на починалата му дъщеря.
Тиодор Кителсен
Снимка: Nasjonalmuseet / Ina Wesenberg
Норвежкият художник Тиодор Кителсен е известен с илюстрациите си на приказки и скандинавски легенди. Той измисля различни герои, сред които горски тролове и чудовище от езерото, и ги въвежда в суровите пейзажи в творби, които съдържат смесица от мрачност и хумор.
В една от сериите илюстрации са използвани народни приказки за черната смърт - пандемия от бубонна чума, която се разпространява в Европа през XIV век. В тези творби смъртта е олицетворена от персонажа Песта - зловеща старица, която обикаля света. В една от мъгливите сцени тя може да бъде видяна да лети като бухал над върховете на елите. На друго място се вижда, докато се изкачва по стълбището на къща.
Кете Колвиц
Снимка: National Museum/ Andreas Harvik
Творчеството на германската художничка Кете Колвиц никога не е избягвало болезнеността и страданието (дори преди да използва творбите си като средство, чрез което да скърби за смъртта на малкия си син по време на Първата световна война). След това тя многократно се връща към мотива за Пиета, а много от творбите ѝ се фокусират върху телесния контакт. Така те изследват интензивността на човешките взаимоотношения. В този смисъл Колвиц довежда масовия танц до най-далечния му и силен завършек в „Смъртта и жената“. Централната женска фигура е хваната в капан и е разкъсвана между способността си да създава нов живот и неизбежната сила на смъртта.
